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Francesco Cusa - Official Website - Press

Una bellissima recensione di Vic da parte di Annalisa Pascai Saiu - il:2022-08-27

Una bellissima recensione di Vic da parte di Annalisa Pascai Saiu.
Spazi di scrittura

A VIC di Francesco Cusa.

Perchè tutto ci vuole iniziare, o meglio, tutto ciò che richiede un certo sforzo metafisico,animico e intellettuale, richiede una spinta iniziatica?
Perchè nessuno vuol mai finirci?Perché puntualmente quando iniziamo qualcosa, appare la magica quanto infingarda figura del Bagatto, a volerci iniziare?
Io voglio finire, voglio finirla con questi continui inizi, mirabolanti iniziazioni,percorsi iniziatici e via discorrendo.
Io voglio finire tutto e soprattutto non voglio iniziare più.
Questo mi dice VIC, si, me lo dice proprio, e solitamente, secondo le norme vigenti di decoro nella scrittura, si deve usare la terza persona.
Ma stavolta no, non posso,
mi rifiuto categoricamente, perchè VIC ,
non apprezzerebbe.
È venuto a parlarmi personalmente,
ad un certo punto, all'arrivo di Linda, c'è stato un cambio di paradigma, anzi un cambio dimensionale, in una zona eterica, che se dovessi collocarla nel corpo sarebbe tra la scapola sinistra e la nuca.
Una presenza persistente, mentre lavavo i piatti, mentre lavavo la cucina e canticchiavo Era de Maggio di Murolo, mi ha interrotta, iniziando a fagocitare i miei pensieri , ed anche le mie azioni.
Diventate automatiche e non più presenti alla realtà dell'azione stessa, mi ha riportata alla husserliana memoria - ALLE COSE STESSE.
SI, un tonante Sì , ALLE COSE STESSE, ma senza prenderle per mano, senza per forza doverle ingerire, come dice il nostro amico, in questa forma di "fito-filosofia", questo avvelenamento del pensiero fagocitato e fagocitante, che fa perdere ogni barlume di lucidità, e badate bene, che lucidità e raziocinio, sono cose completamente differenti.
Fuori le porte del Santuario di Apollo a Delfi, è scritto "γνῶθι σαυτόν - nosce te ipsum - conosci te stesso", che è l'atto più lucido e meno razionale al contempo, che si possa compiere, poichè il Nosce te ipsum, è brama di assoluto, è forse quel tentativo di esser sacri, senza esser con-sacrati, esattamente come ci indica l'etimologia della parola stessa.
Perché la consacrazione, è iniziazione, per forza di cose, è parte di quella iniziale torsione, che si perpetua all'infinito.
Meditando ad esempio sull'alef-beit e i tarocchi, specialmente nella versione di Oswald Wirth,intuisco che connettere IL MATTO, al primo risveglio di Dio stesso, è cosa buona e giusta, quel Caos divino, o solo Caos, come asserisce Carbone , in post-fazione.
Ma andando avanti, ecco che arriva il manigoldo, questo Dio che è anche Demiurgo(?), come ce lo suggerisce la figura ambigua de IL BAGATTO, che è si l'iniziato, ma anche il Magister Ludi, colui che può sì ,farci divertire, ma anche ammaliarci, egli è figura mantica, come Apollo del resto, per questo l'apollineo monito CONOSCI TE STESSO, è enigma, è il tranello dei pidocchi che uccise Omero.
È L a manifestazione di Dio, la prima, questo Aleph א , il toro, colui che per umiltà , precede la Beit, la Genesi, il BERESHIT בראשית , l'inizio degli inizi, la prima divisione.
Tarologicamente rappresentata da LA PAPESSA, il primo 2, colei che detiene le chiavi e il Libro, assisa in trono, Signora delle colonne JAKIN E BOHAS , custode del Tempio di Salomone, degli eleusini misteri, delle vie alchemiche, della Sofia, della Gnosi e della Sapienza.
Eppure divide, ebbene,
perché come la creazione divide, così la conoscenza,
e VIC, lo sa.
Lui che ha fissato Linda sul piano eterico, solo per non perderla, lui che ha compreso che la carne, la materia, luciferina, non può che ingannare e dividere, ha trasformato tutti in spettri per poterli tenere con sé, per dirla nuovamente con Carbone, sono le "figurine mnestiche " di Vic, alle quali non vuole assolutamente rinunciare, almeno, non fino alla fine, nel momento in cui comprende che sono tutte inscritte nella sua pelle, nella memoria delle sue mani, in quelle righe di scrittura divina, che tutto svelano.
Racchiuso il tutto,
il tanto agognato FINIRE,
nel calvario salvifico, il martirio della sua ascetica malattia, che gli restituisce un ritratto perfetto dell'esistenza cosmica,
un Mandylion della Veronica , custodito tra le crepe della vecchia casa infestata, nei suoi occhi e sulla scrivania dell'Ipotetico Editore, nonché custode, e presumibilmente anche Creatore della Cosa Pulsante.

Annalisa Pascai Saiu
27/08/2022

A VIC, a Francesco , e a tutti poeti , la cui poesia è sempre più avanti di se stessi.

Per chi volesse farsi un dono : https://www.algraeditore.it/narrativa/vic/

“MINIMAL CUSA Scrittura, poesia e musica “Fuori Rotta” alla Casa delle Erbe della Locride - il:2022-07-09

https://www.lentelocale.it/home/minimal-cusa-scrittura-poesia-e-musica-fuori-rotta-alla-casa-delle-erbe-della-locride/

“MINIMAL CUSA Scrittura, poesia e musica “Fuori Rotta” alla Casa delle Erbe della Locride
9 Luglio 2022 22 0

“Un incontro di carattere è stato quello che domenica 3 luglio si è tenuto alla Casa delle Erbe e delle Agriculture della Locride.
Primo appuntamento estivo del programma outdoor Teatro, scritture e visioni “FUORI ROTTA” per la riflessione su temi peculiari del nostro tempo, nello scenario della vallata sotto il monte Tri Pizzi, ad Antonimina.
La rassegna, alla sua terza edizione, è ideata e curata da Marò d’Agostino, architetto e paesaggista che ha fatto del suo giardino il luogo elettivo di relazioni che si stanno sviluppando dentro e aldilà del territorio locrideo e calabrese a costruire una vera e propria comunità tra coloro che si riconoscono nelle cifre di una qualità naturale del vivere. E dell’arte indipendente un linguaggio con cui parlarsi, una traccia cui riferirsi per conoscere e districarsi nella complessità del mondo.
Fulcro della serata è stato il poliedrico genio creativo di Francesco Cusa, uno dei protagonisti della scena più innovativa e non allineata della musica improvvisata italiana. Batterista, compositore, direttore di diverse formazioni, scrittore e poeta.
Le differenti peculiarità dell’artista catanese si sono srotolate come un papiro prezioso senza stacchi e suddivisioni settoriali con l’attenzione sempre viva e partecipe del pubblico: un dialogo a più voci tra l’autore, la stessa curatrice, il batterista Tonino Palamara, collaboratore della Casa delle Erbe e il giornalista Gianluca Albanese, direttore della testata online Lente Locale che ha introdotto gli stessi.
Si è partiti con la presentazione del romanzo “VIC” – Algra editore (2021), sorta di diario surreale popolato dai personaggi “estremi” d’una provincia “estrema”: esseri reali e immaginari con protagonista principale Vic, un ragazzo-uomo maturo, scrittore irrequieto di incipit. Il romanzo si sviluppa come un continuo scavo psicologico e metafisico teso a smascherare il velo del “tremendo” che pare avvolgere la fisica e la morfologia di Cotrone, luogo immaginario del Sud dell’Italia, dove egli vive.
Senza soluzione di continuità, come del resto suggerito dallo stile di Cusa, segnatamente interdisciplinare e colto, si è poi aperta una finestra su “Il Mondo Chiuso” la raccolta di poesie – Robin Edizioni (2021) – che rivela una dimensione più evocativa e meno caustica del mondo cusano, con un uso creativo della parola che tende a scardinare i limiti della forma e del significato e si articola con ironia su vari piani interpretativi.
Come nel romanzo, i temi del tempo e della morte si intersecano con la costante tensione dell’autore verso una riqualificazione della realtà sociale ed etica e con lo smascheramento di quanto è nascosto e chiuso.
Appunti, letture, ossimori, metafore, aforismi, il dialogo si è calato nell’ atmosfera dolcemente ventilata, intima e condivisa della sera inoltrata; nell’abbraccio generoso delle querce secolari le parole magicamente si sono trasformate in suoni.
Un linguaggio comunque materico è la musica di “Minimal Works” (Improvvisatore Involontario/Kutmusic), magnifica ricerca del FCTtrio che sviluppa un’idea quasi minimalista di composizione istantanea. Formato da Tonino Miano/ pianoforte-keyb, Riccardo Grosso / bass, Francesco Cusa/ drums, compositions, il nuovo organico, che esplora i territori delle composizioni originali e della poliritmia riproponendole in chiave acustica, alla Casa delle Erbe ha accolto le scintille creative dell’istante sviluppando cellule sonore frutto delle influenze ambientali, degli umori del momento, delle suggestioni e, altresì, della raffinata e straordinaria sapienza musicale di ognuno di loro.
Vibrazioni altissime hanno incollato i presenti all’ascolto in un evento da ricordare.”


https://www.lentelocale.it/home/minimal-cusa-scrittura-poesia-e-musica-fuori-rotta-alla-casa-delle-erbe-della-locride/

Recensione “The black shoes” a cura di Giuseppe Attardi - il:2022-06-29

https://www.sicilianpost.it/tra-flauto-e-batteria-larmonica-intesa-dello-yin-e-dello-yang/

Tra flauto e batteria l’armonica intesa dello Yin e dello Yang
Il progetto “The black shoes” della flautista salentina Giorgia Santoro e del batterista catanese Francesco Cusa. Un duo anomalo che conduce alla scoperta di nuovi linguaggi sonori. «Le scarpe nere sono quelle «consumate del musicista, nelle quali si trova il background di ogni musicista»
Giuseppe Attardi
by
Giuseppe Attardi

22 Giugno 2022

Giorgia Santoro e Francesco Cusa
È possibile far duettare il soave, gentile e delicato suono del flauto con quello rumoroso, invadente e muscoloso della batteria? Sì, se si incontrano due maestri della musica improvvisata, come la flautista salentina Giorgia Santoro e il batterista catanese Francesco Cusa, autori del progetto The black shoes per la coraggiosa etichetta pugliese Dodicilune.

«In effetti, il binomio flauto-batteria è alquanto bizzarro», commenta al telefono Giorgia Santoro. «Per me è stato difficile suonare senza avere come riferimento uno strumento armonico come un piano. Ho dovuto costruirmi questa idea armonica. Mi ha facilitato il tocco delicato e pieno di colori di Francesco che è stato un compagno stimolante e molto creativo».

Giorgia Santoro: «Abbiamo lavorato soprattutto sulle suggestioni. Spesso, quando si suona, è difficile trovare la fine. Nel nostro caso è stato diverso. Abbiamo tagliato appena veniva percepito che il discorso era esaurito»
«Ho cercato soluzioni timbriche diverse… Ho suonato la batteria da anti-batterista», sorride Francesco Cusa. «Ci sono momenti in cui però suono in modo più impegnativo e Giorgia si è adeguata. Si creano passaggi quasi drum’n’bass, sonorità strane. Ho fatto uso anche di campane tibetane e ho giocato con suoni legati ai piatti».

Insieme Giorgia e Francesco hanno cercato e trovato l’armonica alternanza dello Yin e dello Yang, andando alla ricerca delle proprie radici. Cercandole nelle “black shoes”, le scarpe nere e consumate del musicista, «nelle quali si trova il background di ogni musicista», spiega la salentina. «Con l’intento di prendere dal basso per guardare verso l’alto», creando linguaggi sonori nuovi.

Francesco Cusa: «Io avevo già provato altre formule, come batteria e voce, ma questa è davvero particolare. Poi, un giorno, durante una pausa mentre suonavamo in un’orchestra, abbiamo abbozzato un primo duetto»
Se la musica improvvisata è il punto d’incontro, le radici dei due interpreti sono diverse. Sugli studi di musica classica si è formata Giorgia Santoro, mentre il catanese proviene dal jazz. Entrambi, tuttavia, non hanno sdegnato altre esperienze. Cusa spazia dall’avanguardia al funky, dalle colonne sonore alla danza. La flautista salentina ha approfondito le conoscenze del jazz, sperimentando la world music, suonando per Franco Battiato in una Notte della Taranta, per Roy Paci in un suo disco e per altri musicisti pop. A farli incontrare nel loro girovagare per Paesi e suoni è stato Gianni Lenoci, scomparso maestro di jazz pugliese, «punto di riferimento non solo per la Puglia, un intellettuale oltre a essere un musicista», lo rimpiange Giorgia Santoro. «È stato nel corso di un omaggio a Lenoci che ho conosciuto Francesco e da lì è nato questo progetto».

«In effetti era da diverso tempo che ci dicevamo di suonare assieme», ricorda Francesco Cusa. «Sperimentare questo duo anomalo ci stimolava molto. Io avevo già provato altre formule, come batteria e voce, ma questa è davvero particolare. Poi, un giorno, durante una pausa mentre suonavamo in un’orchestra, abbiamo abbozzato un primo duetto».

UNO SCRITTO SUL MIO ROMANZO “VIC” EDITO DA Algra editore. LO SCRITTO È DI Salvatore Nastasi. - il:2022-06-20


UNO SCRITTO SUL MIO ROMANZO “VIC” EDITO DA Algra editore. LO SCRITTO È DI Salvatore Nastasi.
Francesco Cusa sa scrivere, e su questo almeno, mi sento di scrivere che non ho alcun dubbio.
Sa scrivere e ce lo dimostra nel suo romanzo Vic.
Romanzo quasi senza storia, senza trama, uno di quei romanzi per cui sarebbe inutile e ridondante rinnovare il detestatissimo mantra: “Ma di cosa parla questo romanzo?”
Eppure, che romanzo sia (o ad esser pedanti magari racconto lungo) non v’è alcun dubbio.
E non vi è alcun dubbio in quanto l’autore riesce ad evocare istantaneamente e a dispiegare ciò che rende un romanzo tale: un mondo; che poi sia un mondo della mente o un mondo di fantasmagorica provincia è questione per nulla prioritaria!
Francesco Cusa sa scrivere, dicevo. E ce lo dimostra in tanti passi, come l’efficacissimo incipit. Efficacissimo nel mettere da parte ogni dubbio sul fatto che quello che abbiamo tra le mani non è un romanzo contemporaneo come tanti, così frettolosi di introdurci nel mondo reale del protagonista, tutti frettolosi di dispiegare i fatti, i modi, i tempi, i luoghi e le azioni.
Psichedelico e d’atmosfera sin dall’inizio, lo stile di questo romanzo è frutto di letture e di un modo di approcciarsi alla vita e alla scrittura che annuncia chiaramente tutto quello di cui siamo esausti, tutto quello di cui non se ne può più: la famiglia tradizionale, la patria ormai esplosa e ridicola, un dio completamente centrifugato nel vortice dei fantasmi di cui è costellata la narrazione, contorta eppure limpida, un “resto del mondo (che) andava collassando a velocità esponenziale verso l’assurdo della tecnoscienza”.
Torna subito alla mente la migliore tradizione di scrittori in rotta di collisione, definitiva e senza compromessi, con la smania idiota e auto-distruttiva planetaria e con i suoi riti macabri: da ArthurRimbaud a Henry Miller, da Louis Ferdinand Celine a Michel Houellebecq col loro stile teso ad accostare l’inaccostabile, a far deflagrare l’ovvio, il banale.
Ci sono passi di una forza e di una suggestione che fanno venir voglia di prenderli di peso, estrarli e inserirli nel proprio prossimo romanzo: “Detestava i check-in, gli aeroporti e gli aerei, anzi, in realtà, amava volare, ma era terrorizzato dal controllo, dalle norme di sicurezza, era angustiato dall’asetticità del numero (15A, 17F…) e dalla maniacalità del rito delle hostess. Queste gli parevano piuttosto delle infermiere aduse e stanche, delle streghe in divisa, belle anime reiette e dannate al volo.”
Quando il romanzo vira dalla terza alla prima persona e poi ancora alla terza non si può fare a meno di rimanere straniati, ma di questo effetto temporaneo è ovviamente consapevole l’autore che ci trascina nella sua personalissima esposizione del perché proporre al lettore una storia lineare e dai punti fermi sia ciò che esattamente tradirebbe uno spirito dei tempi di cui l’autore osa mostrare la marcescenza, l’inevitabile processo di putrefazione.
Il fascino che il profilo dei morti su facebook esercita sul protagonista e una delle sue amanti (vere o finte, reali o inventate) è d’altronde la cifra perfetta di questo spirito dei tempi che altro non si esplicita se non in immagini di zombie che divorano i loro tempi, eminentemente morti anch’essi, nel riguardare ipnotizzati la fissità di foto del passato e, nella consapevolezza lacerante dell’impossibilità di ogni futuro di speranza, si rifugiano nel ricordo, in un ricordo morto, nel ricordo dei morti e delle loro vite false, nelle immagini selezionate della vuota esibizione di contentezza, morte anch’esse quand’anche in vita.
In mezzo a questi morti, a questi fantasmi, a questi zombie e a questi mezzi in vita, nei tempi assolutamente solipsistici ed eternamente sospesi di un supposto paesino di provincia, pieno di alienati e di trapassati, si muove, o meglio barcolla, incede stentatamente, pirotecnica nella sua mente, il protagonista in viaggi immobili sempre in bilico tra fantasia e supposta realtà, lynchianamente appunto, come viene, forse troppo didascalicamente, scritto.
Ed è che qui che l’asino casca e si azzoppa pure, e, a tratti, non si riesce più a tirarlo fuori da questa voragine!
Ché il linguaggio, pur di una mente in bilico, tante cose può fare, tanto può rivelare, e tanto ci può far capire, ma bisognerebbe sapere dove fermarsi e ci sarebbe voluto un editore, tutt’altro che ipotetico che avrebbe dovuto dirlo, avrebbe dovuto porre una qualche sorta di limite all’estrema indulgenza di certi passi.
Il linguaggio di questo romanzo, per quanto Cusa sappia scrivere, per quanto intenso, evocativo e psichedelico possa essere, a volte non sa chiaramente dove fermarsi, a volte si esagera nell’-auto-riferirsi, ci si compiace di queste scie cosmologiche, si perde completamente di vista qualsivoglia leggibilità.
“Il flusso del suo pensiero attivo continuava a spandersi come la supernova d’una galassia nello spazio siderale del presente” si legge nella prima pagina, e se pure percepisco che è un periodo che può parere e suonare un po’ lungo, un po’ pesante, un attimo astratto, soprassiedo e ne riconosco la bellezza, condono e vado avanti.
E quando si arriva a frasi e periodi spaparanzatissimi come quelli che cominciano a prevalere un po’ troppo specialmente da metà romanzo in poi, passi come quello della descrizione del sorriso di uno dei suoi conoscenti tramite cui si concede la grazia di ammazzare il tempo: “sapeva farsi perdonare in virtù del suo disarmante sorriso, giacché veder sorridere Marcello significava essere abbacinati dalla gioia, aver voglia di fuggire, di scappare nelle terre dei ghiacci perenni e infine vivere la colpa come essenza ultima e definitiva”, un passo che, sinceramente, a me, lascia abbastanza perplesso se non veramente confuso: come può un sorriso essere fonte di cose tante e contraddittorie cose e immagini? E soprattutto a che pro? A che serve questo nell’economia del romanzo?
E che dire di una pagina intera come questa???: “A vivere d’innesti, di confusione e illuminazione si corre il rischio di diventar santi. La dissennatezza del campare, senza soste né respiro, era il frutto della ricerca d’una quintessenza da carpire ogni singolo momento. Perfino lo stare pigramente al mondo appariva oramai atto teatrale funzionale alla mimetizzazione (??????). Occorreva essere vigili e attenti, come guardiani e asgardiani, perfino nel disagio della sbronza, della confusione mentale, della fatica fisica, dello spleen, della depressione. Vic voleva cogliere alla sprovvista la défaillance del Burattinaio, la crepa del Reale; ammesso e non concesso che ci fossero, poi, anche ‘sto Burattinaio e il grumo d’una qualche realtà! Per quanto fosse assurdo, egli ricordava tutto, ed era un tutto dal quale era impossibile scindere anche un solo frammento di non-tutto: un teatro in perenne scena, senza soste (di nuovo?). Una narrazione adiacente, contemporanea al flusso dei pensieri, alle azioni e alle necessità della vita, collocata su una corsia preferenziale della mente, dell’immaginario, del sentire, un canto in perenne evoluzione. E poi c’era la questione della morte, o meglio del morire. A Vic pareva che la morte fosse un epicentro, l’azione stessa della vita, il senso centrale di ogni esperienza, il frutto pulsante dell’iniziazione, l’origine di ogni possibile intuizione. Provava un desiderio d’inconfessabile ammirazione per i bambini addestrati dall’Isis…” (e pur essendo inconfessabile non si risparmia la stoltezza di farcelo leggere…).
Precedono e pure seguono paragrafi e quasi capitoli interi al limite del totalmente sconclusionato ed illeggibile tout court ma in molti casi ciò può dirsi funzionale alle esilaranti ire dell’ipotetico editore che grida chiaro in faccia che queste proposte, pappardelle non pubblicabili.
Accanto a questi che, a mio avviso, sono passi assolutamente falsi, quanto meno nel senso figurato dell’espressione “passi falsi” ci sono però altre cose di assoluto pregio in questo romanzo, non per niente ho cominciato questa recensione scrivendo che Francesco Cusa sa scrivere.
Sono pregevoli le scene del bar di Giovanni, in cui è palpabile l’immobilismo di provincia ma anche la sana ingenuità, l’essere scampati alla ferocia urbana, fantastiche ed effettivamente saporite le evocazioni degli enormi seni di Sally da “talmente belli da generare un senso d’infelicità”.
Ed in generale il piglio con cui l’autore descrivere l’attrazione di Vic per il corpo femminile e il fascino, anche se morboso o proprio perché morboso, con cui descrive i corpi, il corpo degli altri, il proprio corpo, la cura del dettaglio, la confidenza e la facilità che ha l’autore nell’evocare sapientemente e in maniera sempre varia e spesso straniante la materia, lascia veramente ammirati.
Anche i pochi dialoghi, specialmente quelli della gita alla presentazione del libro del falso libertino di provincia, o quelli del ritrovo con Marcello, Luisella, i quattro amici dementi e tutto il corteo di fantasmi rutilanti colgono veramente nel segno.
Da ultimo Vic, questo romanzo è scorrevole, al di là dei passi ridondanti, che ribadisco, mi è sembrato di trovare.
In definitiva una bella prova narrativa di Francesco Cusa,un romanzo audace e coraggioso che meriterebbe sicuramente molti più riscontri nel panorama letterario quanto meno nazionale e di cui mi sento caldamente di consigliare la lettura.
#vic #francescocusa #libri #romanzo #algraeditore

Recensione di "Human Pieces" a cura di Percorsi Musicali - il:2022-06-12

https://www.percorsimusicali.eu/2022/04/24/human-pieces/?fbclid=IwAR1SSTeek9XSABZ_tKqcnEsxVCk7cq3PQIFQyKNkKFlfLLo4iPbTE23mNzg

Qui si tratta dell’incontro di quattro musicisti che non hanno mai collaborato tra loro e che tentano di unire le loro sensibilità per variare le tonalità emotive della musica proposta: ecco in breve il nuovo progetto uscito da poco per l’etichetta britannica Leo Records, che vede Tonino Miano al pianoforte, Brian Groder alla tromba, Riccardo Grosso al contrabbasso e Francesco Cusa alla batteria, unirsi in Human Pieces.

Di primo acchito l’intesa tra i quattro si regola sulla propensione, ricordando in questo la pittura di Francis Bacon, a sfuggire i clichés, come ricorda il filosofo Gilles Deleuze:
”…È quando la probabilità ineguale diventa quasi una certezza che posso iniziare a dipingere. Ma a quel punto, una volta che ho iniziato, come fare perché quanto dipingo non sia un cliché? Bisognerà eseguire prontamente dei “segni liberi” all’interno dell’immagine dipinta, per distruggere in essa la nascente figurazione e dare una possibilità alla Figura, che è l’improbabile stesso. Questi segni sono accidentali, “a caso”, ma è evidente che qui la stessa parola “caso” non designa più in alcun modo delle probabilità, bensì un tipo di scelta o di azione senza probabilità. […] Riguardano solo la mano del pittore…”

La fluidità caratterizza l’intero bilancio della proposta, la musica che si ottiene assume le forme più disparate. Le linee tematiche si esprimono con una calma inusuale (Neon Eyes) ripetendo piccole cellule tematiche, rallentando il ritmo. L’operazione collima con il concetto di musica del batterista Milford Graves: ”…va regolata nell’atto stesso della sua creazione. Come la vita si realizza a ogni istante in maniera sempre nuova e fresca, cosi deve avvenire per la musica…“

Miano si caratterizza per il suo approccio percussivo che si mantiene in una continua indecisione tonale corroborato dalla tromba di Groder che in ogni traccia pare essere lo strumento trascinante.
Human Pieces vede Cusa aprire il brano con un lento flusso su cui piano e tromba si inseriscono. Dalle battute iniziali cupe e cerebrali, con l’entrata in campo del contrabbasso, la solidità del brano esplode in un trascinante vortice di reiterazioni di concetti.
In Twenty fingers in a Pond una debordante energia scaturisce dal piano di Miano, dal timbro sottile e ricco, si coglie l’amore per il pianismo di Cecil Taylor, ma le geometrie delle linee melodiche sono più esatte e spigolose, denotano un approccio più lucido.
La tradizione bop si riconosce e si disperde confusamente in più di un brano, Skittles Heavy incorpora il blues e le le tonalità emotive sfociano in parossismi esasperati complice la batteria convulsa e spietata. Bellissima la ripresa del chorus.
In Nails in the Sky piano e batteria reiterano piccole frasi ritmico-melodiche, consentendo alla tromba di Groder di dispiegare un lirismo trattenuto, quasi involontario.

Questa musica fluttuante che rimodella il suono riattualizza la tradizione del free jazz, come ricorda Davide Sparti: ”…Il free jazz in genere riabilita le tessiture musicali e le sonorità a scapito della purezza formale e strutturale, ponendo l’enfasi sull’intensità e la coloritura sonora quale principio su cui costruire l’improvvisazione…”.
Non si tratta di riprendere la lezione del free jazz ma di comprenderla nuovamente, di esaltarne alcuni aspetti senza quell’urgenza originaria ma seguendo una visione postmoderna, giocosa con la consapevolezza del proprio ruolo di musicista.
L’intento in questo senso ci pare riuscito, la rabbia e l’urgenza, che caratterizzavano il free jazz storico, lasciano spazio ad un approccio ludico che permette di evidenziare dei comportamenti omogenei e descrivere con maggior coerenza la contemporaneità.

Recensione di "Human pieces" per Sentieri Musicali - il:2022-05-01

https://www.percorsimusicali.eu/2022/04/24/human-pieces/?fbclid=IwAR3q0c9sNsUvKR_QGL934sf_0LAg6W3U_bIRaXFCabgu-dkiBUCN53PnwUI

Human pieces
Di Nicola Barin - 24 Aprile 2022046

Qui si tratta dell’incontro di quattro musicisti che non hanno mai collaborato tra loro e che tentano di unire le loro sensibilità per variare le tonalità emotive della musica proposta: ecco in breve il nuovo progetto uscito da poco per l’etichetta britannica Leo Records, che vede Tonino Miano al pianoforte, Brian Groder alla tromba, Riccardo Grosso al contrabbasso e Francesco Cusa alla batteria, unirsi in Human Pieces.

Di primo acchito l’intesa tra i quattro si regola sulla propensione, ricordando in questo la pittura di Francis Bacon, a sfuggire i clichés, come ricorda il filosofo Gilles Deleuze:
”…È quando la probabilità ineguale diventa quasi una certezza che posso iniziare a dipingere. Ma a quel punto, una volta che ho iniziato, come fare perché quanto dipingo non sia un cliché? Bisognerà eseguire prontamente dei “segni liberi” all’interno dell’immagine dipinta, per distruggere in essa la nascente figurazione e dare una possibilità alla Figura, che è l’improbabile stesso. Questi segni sono accidentali, “a caso”, ma è evidente che qui la stessa parola “caso” non designa più in alcun modo delle probabilità, bensì un tipo di scelta o di azione senza probabilità. […] Riguardano solo la mano del pittore…”

La fluidità caratterizza l’intero bilancio della proposta, la musica che si ottiene assume le forme più disparate. Le linee tematiche si esprimono con una calma inusuale (Neon Eyes) ripetendo piccole cellule tematiche, rallentando il ritmo. L’operazione collima con il concetto di musica del batterista Milford Graves: ”…va regolata nell’atto stesso della sua creazione. Come la vita si realizza a ogni istante in maniera sempre nuova e fresca, cosi deve avvenire per la musica…“

Miano si caratterizza per il suo approccio percussivo che si mantiene in una continua indecisione tonale corroborato dalla tromba di Groder che in ogni traccia pare essere lo strumento trascinante.
Human Pieces vede Cusa aprire il brano con un lento flusso su cui piano e tromba si inseriscono. Dalle battute iniziali cupe e cerebrali, con l’entrata in campo del contrabbasso, la solidità del brano esplode in un trascinante vortice di reiterazioni di concetti.
In Twenty fingers in a Pond una debordante energia scaturisce dal piano di Miano, dal timbro sottile e ricco, si coglie l’amore per il pianismo di Cecil Taylor, ma le geometrie delle linee melodiche sono più esatte e spigolose, denotano un approccio più lucido.
La tradizione bop si riconosce e si disperde confusamente in più di un brano, Skittles Heavy incorpora il blues e le le tonalità emotive sfociano in parossismi esasperati complice la batteria convulsa e spietata. Bellissima la ripresa del chorus.
In Nails in the Sky piano e batteria reiterano piccole frasi ritmico-melodiche, consentendo alla tromba di Groder di dispiegare un lirismo trattenuto, quasi involontario.

Questa musica fluttuante che rimodella il suono riattualizza la tradizione del free jazz, come ricorda Davide Sparti: ”…Il free jazz in genere riabilita le tessiture musicali e le sonorità a scapito della purezza formale e strutturale, ponendo l’enfasi sull’intensità e la coloritura sonora quale principio su cui costruire l’improvvisazione…”.
Non si tratta di riprendere la lezione del free jazz ma di comprenderla nuovamente, di esaltarne alcuni aspetti senza quell’urgenza originaria ma seguendo una visione postmoderna, giocosa con la consapevolezza del proprio ruolo di musicista.
L’intento in questo senso ci pare riuscito, la rabbia e l’urgenza, che caratterizzavano il free jazz storico, lasciano spazio ad un approccio ludico che permette di evidenziare dei comportamenti omogenei e descrivere con maggior coerenza la contemporaneità.

Recensione di The Lenox Brothers: Township Nocturne per All About Jazz - il:2022-04-18

https://www.allaboutjazz.com/township-nocturne-the-lenox-brothers-amirani-records?fbclid=IwAR0YEdBnlQdlMCNVy5a1w1Y7cmFlztPAOMcQdx3cR-EcUrFksOgeGXGuyBc

The Lenox Brothers: Township Nocturne
Neri Pollastri By Neri Pollastri
April 18, 2022
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The Lenox Brothers: Township Nocturne
Riproduci Gianni Mimmo
su Amazon Music Unlimited (ad)
Realizzato da tre suoi storici compagni di viaggio—non a caso denominatisi The Lenox Brothers—un anno e un giorno dopo la sua prematura scomparsa e nello studio Wave Ahead, che era un po' la sua seconda casa, Township Nocturne è un commosso lavoro alla memoria di Gianni Lenoci.

Gianni Mimmo, che con il pianista formava il duo di "zii" al quale dobbiamo tante splendide improvvisazioni, Francesco Cusa, che con l'artista di Monopoli formava un'altra splendida coppia, e Pierpaolo Martino, che spesso si aggiungeva al batterista per dar vita a un brillante trio, si sono perfino ispirati a una delle tante passioni di Lenoci—le sue amate serie TV anni Sessanta-Settanta, in particolare quelle poliziesche come "Colombo"—per sviluppare la colonna sonora di un viaggio immaginario, nella memoria di tante conversazioni, viaggi e musica fatti insieme a lui.

Ne scaturiscono nove brani, improvvisati ma dotati di una personalità comune, tutti molto intensi dinamicamente e al tempo stesso dai suoni limpidi, caratterizzati dalle lunghe e sempre diverse linee disegnate dal superbo soprano di Mimmo, ma nelle quali sono estremamente marcati ora gli elementi ritmici—si ascoltino per esempio "Stranded Stomp" o "The Mesmerizing Speech" per cogliere il lavoro di Cusa in questa direzione—ora la potente pulsazione del contrabbasso—massimamente esemplare, da questo punto di vista, la title track, nella quale Mimmo interviene poi anche vocalmente, ma Martino giuoca un ruolo importante anche in "South Bay Drive/Bay Lanes," mentre nel successivo "Insistent/Persistent" opera con archetto e corde per produrre sonorità tanto sporche, quanto efficaci.

C'è un sorprendente ordine in questo disco di musica improvvisata, a dispetto del suo non ripetere mai una frase; un ordine che si coglie all'interno di una complessità che include anche momenti caotici e stridenti—in "The Ride" il soprano si produce a lungo in armonici e sovracuti, con effetti però sempre di drammatizzazione e mai di confusione—; un ordine del quale viene spontaneo ringraziare il quarto "fratello," presente-assente in un angolo dello studio per tutta la durata della performance, vicino-lontano al suo silente pianoforte, da dove altrettanto silenziosamente lo ha saputo imprimere agli antichi compagni, da par suo, come faceva quand'era in vita.


Grazie ancora, Gianni Lenoci, per quanto ci hai lasciato e anche per quello che il tuo spirito continua e continuerà a lungo a regalarci.

Recensione di "The Lenox Brothers" a firma di Ken Waxman per Jazz Word - il:2022-04-01

http://www.jazzword.com/one-review/?id=131005

The Lenox Brothers
Township Nocturne
Amirani Records AMRN 067
Adam Nolan Trio
Prim and Primal
No label No #
Saxophone trio discs from expected (Italy) and unexpected (Ireland) places show that innovative music isn’t limited to those in locales with major Jazz reputations. The Lenox Brothers for instance is a new name for a group featuring Pavia-born soprano saxophonist Gianni Mimmo who over the years has partnered with international players from Vinny Golia to the late Gianni Lenoci, the dedicatee of the disc. His associates are part of the fertile Italian creative music scene: bassist Pierpaolo Martino, who has recorded with likes of Steve Beresford; and drummer Francesco Cusa, who also leads the Assassins band. Part of a lesser-known – or perhaps unknown – is a better adjective. Gaelic improv scene, Kilkenny-based alto saxophonist Adam Nolan’s Prim and Primal also features bassist Derek Whyte and drummer Dominic Mullan.
Working from a FreeBop base, Nolan often echoes biting tones within his horn’s body tube as well as injecting triple tongued notes in an up a down roller-coaster ride. Meanwhile Whyte resonates an unhurried bass line even as he moves up and down the string set, and Mullan’s paradiddles and cymbal clashes confirm the sequences’ patterns whether at relaxed or boisterous tempos. As reed honks and slurs ascend to multiphonics, the saxophonist’s clarion strategy squeezes so many tones into his solos that they threaten to overflow, but don’t. Meanwhile the rhythm section busily stuff additional shakes and ruffs into their output for additional sequences concentration. Together they build up to “The Magic Carpet” and “Kung Fu Master Vs The Ape”, the penultimate and concluding tracks. Establishing himself on the first with a single foghorn-like blast, Nolan then mashes snarling notes into his exposition. Ascending to triple-tongued trilling, his Woody Woodpecker-like bites meet sympathetic bass thumps. This leads into “Kung Fu Master Vs The Ape”, whose expected pugnacious energy is defined by hard percussion smacks and ruffs, string strums and packed horn flattement, projected at staccato and allegro tempos. Attaining an almost opaque state, the session just stops.
A more evenly paced disc, the Lenox Brothers ease into their nine improvisations with echoing cymbal clanks, thick double bass thumps and top-of-range reed clarion flutters. Maintaining this bright tone, the trio members chug along for lyrical and logical themes and variations, with chalumeau register wavers and mellow moody variations intersecting with string buzzes and cymbal splashes as much as staccato outpourings. The most atonal three-way conversation takes up the album’s mid-section on the extended “South Bay Drive-Bay Lanes” and the brief “The Mesmerising Speech”. Musically descriptive without being programmatic, the harshness that has been muted on earlier tracks is prominent. With an overriding shrill from Mimmo’s horn, the first tune evolves allegro as drum crunches and chunky string stops add nocturnal gravitas. Circularly breathed reed work repeats whorls of altissimo screams until the rhythm sections’ backbeat stabilizes linear flow. Reflecting its title, “The Mesmerising Speech” is more strident. Here rigid strokes from spiccato strings and clashing drum ruffs push reed buzzes lower until a literal last minute change of pace completes the sonic thought with a light-toned soprano trill. Wrapping up the narratives with revealing clues as in a murder mystery, the final tracks introduce calmer and more flexible interludes. Mimmo converts seemingly-unstoppable dissected split tones into relaxed tremolo on “The Ride”, with that journey ridden out andante with sul tasto buzzes from Martino and press rolls from Cusa. As that track drones into the final “A Waving Recall”, loosened resonating strings and a drum backbeat underline conclusive clarion reed puffs.
Although Ireland and Italy may not have much else in common, these sessions prove that at least some musicians there do improvisation soundly and creatively.
—Ken Waxman
Track Listing: Prim: 1. Expand the Tempo 2. The Modern Jazz Trio 3. Latin Jazz? 4. Ancient Mayan Jungle 5. The Magic Carpet 6. Kung Fu Master Vs The Ape
Personnel: Prim: Adam Nolan (alto saxophone); Derek Whyte (bass) and Dominic Mullan (drums)
Track Listing: Township: 1. Undescriptive 2. Stranded Stomp 3. The Meanwhile Groove 4. South Bay Drive-Bay Lanes 5. Insistent-Persistent 6. The Mesmerising Speech 7. Township Nocturne* 8. The Ride 9. A Waving Recall
Personnel: Township: Gianni Mimmo (soprano saxophone, vocal *); Pierpaolo Martino (bass) and Francesco Cusa (drums)

Recensione di "Human Pieces" per Art/Music/Lounge - il:2022-04-01

https://artmusiclounge.wordpress.com/2022/03/18/an-eclectic-quartets-human-pieces/

An Eclectic Quartet’s “Human Pieces”
MARCH 18, 2022
THE ART MUSIC LOUNGE
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07 - Human Pieces

MIANO: Heart Kit. Skittles Heavy. Neon Eyes. Hand in a Can. Human Pieces. Twenty Fingers in a Pond. Nails in the Sky / Brian Groder, tpt; Tonino Miano, pno; Riccardo Grosso, bs; Francesco Cusa, dm / Leo Records CD LR 925

This CD is the result of American trumpeter Brian Groder’s meeting with three Italians in Catania to record it. The promo sheet describes the results as “both intensely electric and intimate…[music] that is not afraid to constantly venture into the less obvious while still finding its muscle.”

But “muscle” is not the first thing that comes to mind in the opening of Heart Kit; rather, it is the ambient sound of cymbal washes and ruminating piano. Groder provides the muscle in his adventurous but not-too-far-out solo as drummer Cusa becomes busier behind him, and Miano and Grosso fall into line. Eventually Groder does indeed play quite “outside” jazz and the rhythm becomes fractured and fragmented, although in due course Grosso plays a stream of regularly-spaced plucked notes on his bass. Then, surprisingly, the music settles down into a slow 4 as Groder moves out of the picture and Miano moves in, though the trumpeter keeps returning to put in his own comments. Thus does this quartet tease the listener by going in and out of regular rhythms (though mostly out). Despite these fluctuations, there’s a certain tightness to the quartet that grabs your attention and keeps you listening—yet, surprisingly, it ends in the middle of nowhere.

In Skittles Heavy, the beat they eventually fall into is a surprisingly funky one; in Neon Eyes, they play in more of a ballad tempo. My one caveat was that it didn’t seem to me that Groder knows how to play softly at all. Even in Neon Eyes he’s generally too loud for the mood of the piece, producing only a few notes that blend into what his rhythm section is doing. Eventually this piece picks up a bit in tempo and mood, and then Groder fits in just fine.

These little musical games continue throughout the set. At certain moments I found the music a shade too chaotic for my taste, but it’s surely a pleasure to hear jazz that doesn’t sound like sappy lounge music or ordinary, run-of-the-mill 4/4 jamming, which far too many modern jazz albums do, and in a piece like Hand in a Can the somewhat chaotic nature of the music comes together perfectly to create a strange yet fascinating mood.

I particularly liked Twenty Fingers in a Pond because it focused on the piano trio. Miano’s unusual, moving lines create a hypnotic spell on the listener, to which bassist Grosso continually adds counter-figures that move in their own direction. It’s not so much as if Grosso is complementing Miano as he is creating an entirely different piece of music that somehow dovetails with the pianist’s. By the 4:25 mark, Miano seems to ctach on to what Grosso is doing, and thus moves into quicker, shorter figures before suddenly breaking out into a fast swing beat. Really fascinating!

The final track, Nails in the Sky, opens with Miano playing some Monk-like piano as Groder explodes short figures around him, with bass and drums filling in as they see fit. It’s a nice close-out to an exploratory and mostly enjoyable set of improvised pieces. This is a truly stimulating album with some extraordinary moments in it.

—© 2022 Lynn René Bayley

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Recensione di The Lenox Brothers ‘Township Nocturne’ - il:2022-02-16

https://www.kathodik.org/2022/02/15/the-lenox-brothers-township-nocturne/?fbclid=IwAR2722buFhrbSreTKq2NPMM19YHJJ2BUdkFdDuNj2YKbRA4pzZIfW9yY5Lw

The Lenox Brothers ‘Township Nocturne’
PUBBLICATO IL 15 FEBBRAIO 2022 DA ALESSANDRO BERTINETTO


(Amirani Records 2021)

I 3 fratelli di Gianni Lenoci alla cui vita e opera musicale il disco è omaggio sono Francesco Cusa alla batteria, Pierpaolo Martino al contrabbasso e Gianni Mimmo, che si esibisce anche con la voce nella traccia da cui l’album prende il titolo, al sax soprano. La grafica del disco è di un altro protagonista della contemporanea musica italiana d’improvvisazione Nicola Guazzaloca. È un disco davvero convincente, sentito, delicato e intenso, da parte di tre musicisti che hanno collaborato in momenti diversi con il pianista di Monopoli prematuramente scomparso. Un armonico ed espressivo interplay si dipana attraverso la nove tracce, articolando un groove sempre mordente ed empatico. Il tema narrativo e atmosferico è quello del noir, del racconto poliziesco, ed è svolto con maestria dai tre musicisti: i quali, ognuno interpretando al meglio le possibilità del loro strumento, concordano nel segnalare il vuoto di un pianoforte assente. Se il suo sound di ricorda Steve Lacy, Lenoci ci mette comunque (molto) del suo: per esempio una certa raucedine, e una esplorativa vena melodica, a tratti dichiaratamente nostalgica. Il contrabbasso di Martino è sempre lì, pronto alla conversazione e alla collaborazione, e talvolta (per esempio in Insistent/Persisten e la successiva The Mesmerizing Speech) segue il richiamo di Mimmo per andarsi a prendere coaguli di corde graffiate con l’arco che esibiscono un’asprezza rude e convinta, prima di ridare vita al sostegno motorio/ondulatorio. Al quale la batteria di Francesco Cusa lavora esplorando un ampio arco di possibilità ritmiche, timbriche ed espressive, e dichiarando spesso – con consapevolezza – la propria presenza – magari sottolineando con frasi ritmiche la melodia del sax. Alternando sensazioni di libertà improvvisativa a zone funky-rock (A Waving Recall), e anche momenti sbarazzini (cfr. la parte centrale di The Ride, in cui si palesa evidente la rappresentazione sonora di una corsa, prima al trotto poi all’ultimo respiro) – il disco si offre a un ascolto partecipato e immersivo. L’eredità di un grande musicista è sicuramente ancora creativamente viva.

Voto: 9